IL TEATRO DI PIRANDELLO


Tutta la produzione teatrale pirandelliana (44 testi, chiamati drammi o commedie) è generalmente
suddivisa in quattro fasi.


1) fase dialettale e verista (1910-16), di ambiente siciliano.


2) teatro del grottesco (1916-20 circa) + pirandellismo (circa 1920-36).

Nella seconda metà dell’Ottocento nasce, dalla fusione di tragedia e commedia, il dramma borghese,
che trattava in chiave seria aspetti della realtà quotidiana. Personaggi e ambienti sono borghesi
(con aperture verso il mondo popolare, ad es. in Verga, che scrisse alcuni testi teatrali); anche i
temi riguardano questa classe: famiglia (onore, fedeltà, amore; triangolo), denaro (cambiali,
debiti, difficoltà economiche). Il  rischio (implicito nel Verismo) era quello di creare personaggi
scarsamente originali, insistendo sulla rigida consequenzialità causa-effetto, di fare un’analisi
psicologica superficiale e cadere nel macchiettiamo (o, al contrario, seguendo un
tardo-romanticismo ormai logoro, nel patetico e nel sentimele).

Nella sua fase “grottesca” Pirandello porta all’esasperazione i caratteri di tale teatro,
mostrandone l’inconsistenza. Il grottesco,  la forma che l’arte umoristica assume sulla scena
(intima fusione di comico e tragico), è abbinato alle tematiche più caratteristiche di Pirandello:
contrasto vita-forma; inconoscibilità della verità; incomunicabilità… I testi più famosi sono: Così
è (se vi pare) (1917); Il piacere dell’onestà (1917); Il giuoco delle parti (1918).

Con “pirandellismo” si indicano un gruppo di testi in cui sono accentuati i tratti grotteschi e
cerebrali (con una evidente ripetitività) dei primi testi.


3) teatro nel teatro (21-30). Mentre il teatro del grottesco accetta (mostrandone le
contraddizioni) il dramma borghese, in questa fase Pirandello mostra l’impossibilità di
rappresentare un testo teatrale (l’arte non è capace di rappresentare la vita; gli attori sono
maschere) e sviluppa il tema dell’incomunicabilità  (impossibilità di far comprendere le proprie
ragioni e di identificarsi con gli altri).

Questa fase, rappresentata dai testi Sei personaggi in cerca d’autore (1921), Ciascuno a suo modo
(1924), Questa sera si recita a soggetto (1930), si caratterizza anche per la totale rottura delle
convenzioni sceniche:  viene abbattuta la separazione fra personaggi e attori, fra scena e platea
(gli attori entrano nella platea), fra attori e pubblico (vengono coinvolti gli spettatori nella
storia rappresentata). Viene inoltre eliminato il principio di verosimiglianza, tipico del teatro,
svelando deliberatamente i meccanismi scenici (palcoscenico spoglio, viene rappresentata un testo
teatrale).

Collegata a questa fase è anche la tragedia Enrico IV (1921), in cui Pirandello riprende gli
aspetti tipici della tragedia ottocentesca (“personaggi elevati”, tre unità, “ambientazione
storica”) sviluppando però i  temi a lui cari dell’estraneità al presente, della follia (è la
società che determina la distinzione tra le due condizioni), della distinzione tra illusione e
realtà (che è indefinibile).


4) teatro dei miti (1926-36). Nell’ultimo decennio di vita Pirandello scrive alcune opere (uno
delle quali, I giganti della montagna, interrotta dalla morte), in cui vengono rifiutati alcuni
aspetti caratterizzanti la sua precedente produzione (personaggi umoristici o dolenti, storie
paradossali, cerebralismo, critica e dubbio radicali) e proposti valori universali positivi
(maternità, religione, natura, arte…). Le opere di questo gruppo hanno trame favolose e sono
ambientate in un mondo popolare fantastico e primitivo, mosso da passioni assolute ed esemplari. I
testi sono variamente interpretati dalla critica.